domingo, 18 de abril de 2010

Monet y la abstracción

Monet y la abstracción

Museo Thyssen-Bornemisza – Fundación Caja Madrid - Madrid

Del 23 de Febrero al 30 de Mayo de 2010

Monet y la abstracción propone contemplar de otro modo la obra del impresionista Claude Monet haciendo hincapié en su papel esencial en el desarrollo de la abstracción más pictoricista durante las primeras décadas de la segunda mitad del siglo XX. Monet supo transformar la observación de la naturaleza del impresionismo en una nueva experiencia plástica, y su manera de expresar su experiencia personal por medios meramente pictóricos le llevó a las puertas de la abstracción.

Mientras que durante los años en que se impusieron los lenguajes rompedores de las vanguardias, basadas principalmente en el concepto de “construcción”, su obra quedó sumida en el más absoluto olvido, a partir de los años cincuenta se produjo un verdadero revival de Monet. Los jóvenes artistas del triunfante expresionismo abstracto norteamericano y los seguidores de los informalismos le encumbraron como el nuevo padre de la modernidad.

El recorrido de la exposición se articula en las dos sedes, en varios apartados temáticos en los que se propone un cruce de miradas entre las pinturas de Monet y las de sus sucesores abstractos para mostrar los posibles paralelismos y coincidencias que enriquezcan la experiencia del espectador. El propósito de este enfoque transversal permitirá no sólo descubrir algo más sobre Monet a través de los pintores abstractos, sino también algo más sobre la abstracción a través de Monet.

El primer apartado está dedicado a la influencia de la instantaneidad de William Turner y la evocación poética de James Whistler en la evolución artística de Monet. En las numerosas representaciones del río Támesis bajo la bruma que realizó en sus tres viajes sucesivos a Londres, entre septiembre de 1899 y abril de 1901, Monet se acerca por primera vez a una atmósfera casi abstracta. La introducción de una pintura de Gerhard Richter nos permite establecer una conexión con la abstracción más contemporánea.

Capitulo 1.- Brumas y variaciones

Capitulo 2.- Efectos de luz

Capitulo 3.- Reflejos y transparencias

Capitulo 4.- Contrastes de formas

Capitulo 5.- Pincelada y gesto

Capitulo 6.- En el jardín de Giverny

Capitulo 7.- La Estela de Monet

Visita virtual

viernes, 5 de marzo de 2010

Exposición de William Turner

Turner y los maestros
“William Turner en el Grand Palais de París”.
La Tate Gallery se unió al Museo del Prado y a la Reunión de Museos Nacionales franceses (RMN) para presentar, primero en Londres, a partir de este miércoles en París y este verano en Madrid, una visión similar y/o levemente diferente de William Turner (1775-1851), precursor de insospechadas modernidades. Un artista británico que siguió tan a rajatabla la regla número uno de su época: imitar a los grandes maestros del pasado, que se convirtió en uno de los más audaces padres del impresionismo y la abstracción.
Inaugurada este martes en el Grand Palais la muestra, dedicada al artista británico William Turner, podrá contemplarse hasta el próximo 24 de mayo con el título Turner et ses peintres (Turner y sus Pintores). No exactamente el mismo con el que podrá verse en Madrid del 22 de junio al 19 de septiembre próximo, Turner y los Maestros, traducción exacta del utilizado en Londres hasta el pasado 31 de enero.
Sin duda el Grand Palais podría difícilmente recurrir a ese mismo enunciado tras el apabullante y reciente éxito, también mercadotécnico, de Picasso y los Maestros (783.352 visitantes del 6 de octubre de 2008 al 2 de enero de 2009). El enfoque parisino revela además un matiz especial dentro de esta triple exhibición que es ante todo el fruto del trabajo de más de 50 años de los investigadores de Turner, muchos de ellos ya muertos, explicó a Efe el comisario francés, Guillaume Farault.
Gracias a ellos sabíamos perfectamente qué cuadros vio Turner y qué cuadros le inspiraron, también sabíamos donde estaban, la dificultad era conseguir los préstamos, añadió el conservador del Museo del Louvre, una de las instituciones que gestiona la RMN. En sus grandes líneas, agregó Farault, la exposición fue concebida en Londres, luego cada cual desarrolló su propia visión, en París para plasmar el encuentro del artista con el Louvre y con los artistas franceses contemporáneos suyos, en especial en lo que concierne al paisaje.
Búsqueda que llevó a mostrar lo que los maestros aportan a la modernidad, pues en cierta forma, Turner quiso conciliar la belleza clásica con los elementos de la modernidad, que son los que consisten en representar la atmósfera, la luz, el movimiento y la velocidad, explicó Farault.
El pintor británico lo hizo principalmente gracias a su técnica, con una factura muy visible, donde la pintura es muy espesa y se ven mucho los colores directamente echados sobre la tela, aplicados sin particular dulzura y con relieve, a diferencia de como hacían los maestros antiguos, subrayó.
Influencias
Lo que quería Turner era hacer visible la pintura con su materialidad, su peso, su consistencia y su textura, recalcó. No fue el único en utilizar esa técnica, pues muchos pintores ingleses trabajaban ya con ella algunos fragmentos de sus cuadros, pero, resaltó, sí fue el primero en llenar con ella toda una obra.
Respecto a las principales influencias francesas, Faroult resaltó ante todo dos, Lorena (1600-1682) y Poussin (1594-1665), aunque precisó que trabajó igualmente sobre Watteau (1684-1721) y otros artistas como Gericaux (1791-1824), cuyo Radeau de la Méduse pudo ver en Londres y del que hizo una variación, ausente de París y que tampoco pudo verse en Londres. En relación con la exposición de la Tate, la gran diferencia será una mayor ausencia de maestros holandeses que también impregnaron la creatividad de Turner, y la existencia de más pinturas al óleo y menos acuarelas, explicó.
Faroult dijo ignorar cuál será el enfoque que se le dará en el Prado, que prestó al Grand Palais dos Moisés salvado de las Aguas, uno de ellos de Lorena, el otro de Veronese (1528-1588), una de las grandes influencias italianas de Turner. El comisario francés recordó que el gran viajero Turner no visitó nunca España ni se conoce de momento una relación directa de España en su pintura.
Consideró, sin embargo, interesante hacer una arqueología de lo que pudo ver para saber si este contemporáneo de Francisco de Goya estudió la pintura española que en su época comenzaba a ser descubierta por los pintores ingleses. Es un tema que no ha sido estudiado hasta ahora y que tampoco está documentado, pues como no fue nunca a España no hay nada en sus notas ni en sus numerosos cuadernos, llenos de croquis y reflexiones sobre sus lecturas y sobre los cuadros que veía, añadió Faroult.

Videos sobre la exposición:
RTVE. El Grand Palais de Paris recibe a William Turner

El Diluvio

"Frida Kahlo y su Mundo"

Exposición de Frida Kahlo en Bruselas
Le Bozar, o lo que es lo mismo, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, está celebrando estos días a su manera el bicentenario del comienzo de la guerra de la independencia en México, con una maravillosa exposición dedicada a la artista feminista mexicana Frida Kahlo, una exposición que podéis visitar desde el 16 de enero al 18 de abril del 2010.
Esta exposición reúne una veintena de pinturas de Frida, obras que se conservan en el Museo Dolores Olmedo, situado en Xochimilco, cerca de Ciudad de México. Estos cuadros pertenecen a las pinturas que realizó la artista entre 1927 y 1945, nueve años antes de su muerte, y que coinciden con su mejor época y las obras que más gustaban a la propia Frida.
Pero la exposición no sólo alberga cuadros y pinturas de la artista, sino que también reúne numerosos documentos y fotografías que nos muestran el ambiente que reinaba en la famosa Casa Azul, en Coyoacán, donde vivió Frida Kahlo con su esposo, el también pintor y conocido artista, Diego Rivera.
Nacida de un padre de origen alemán, Guillermo Kahlo, y de madre mexicana de origen indio, Matilde Calderón, Frida decidió a muy temprana edad no seguir el mismo camino que todas las demás mujeres de su época ser una mujer sujeta en su país. Frida quiso ser libre, viajar, estudiar, hacer lo que quisiera.
En 1928 se comprometió con el Partido Comunista Mexicano, y fue allí donde conoció a su futuro marido. En 1937, Diego Rivera dio asilo político a Leon Trotsky, fundador del Ejército Rojo, quien vivió con ellos en la Casa Azul. Muchas de las pinturas que veréis en la exposición muestran la relación que tuvo Frida con el líder ruso.

Los viajeros que decidan visitar la exposición podrán recrearse en dicienueve telas, seis dibujos, un aguafuerte y numerosas fotografías, lo cual constituye una contribución magistral al movimiento surrealista y simbolista.
Siempre ha destacado la belleza singular de la obra de Frida. A la artista la gustaban los colores alegres y vivos, característicos del arte popular mexicano. Los combinaba de una manera especial, siempre en relación con las emociones que deseaba comunicar. En su diario se encuentran algunas definiciones muy personales de los colores:
El verde: luz tibia y buena.Café: color de mole, de hoja que se va; tierra.Amarillo: locura, enfermdad, miedo. Parte del sol y la alegría.

Así pues, si tenéis reservados para estos próximos meses vuestros hoteles baratos en Bruselas, y sois amantes de la pintura, y en especial de Frida Kahlo, no os podéis perder esta magnífica oportunidad que nos brinda el Museo de Bellas Artes de Bruselas.
Información adicional
· Horarios: La exposición se podrá visitar de martes a domingo, de 10.00 a 18.00 horas, y el jueves hasta las 21.00 horas.· Precios: 8 euros para adultos, 5 euros para mayores de 60 años y menores de 26 años, 3 euros para profesores y desempleados, y gratis para periodistas y personas con discapacidad y un acompañante.

Videos sobre la exposición:

http://www.youtube.com/watch?v=pt97x6_SpbM

El alma azteca de Frida Kahlo

sábado, 27 de febrero de 2010

Picasso en Moscú

Lugar: Museo Pushkin de Moscú

En el Museo de Bellas Artes de Moscú se han tomado medidas de seguridad sin precedentes. El 25 de febrero aquí abrió sus puertas una exposición de obras de Pablo Picasso. Se exhiben 240 obras maestras de pintura y escultura del genio del siglo XX. Esta muestra de la creación del eminente maestro galo inaugura el Año Nacional de Francia en Rusia.

La percepción y evaluación de la creación de Picasso en Rusia es una historia interesantísima que arranca de los años 1900. Entonces sus lienzos se traían a las exposiciones de “Valet de cuadrados”, la primera asociación de pintores de la vanguardia rusa. Los coleccionistas rusos al instante apreciaron el talento del plástico francés y compraron no pocos lienzos suyos antes de la revolución de 1917. Justo este “Picasso temprano” es un orgullo de las colecciones del Museo de Bellas Artes de Moscú y del Ermitage de San Petersburgo. Empero, durante el poder soviético sus cuadros “embellecían” en su mayoría los depósitos de los museos. Aun cuando el nombre del pintor no estaba vedado, pues era comunista y antifascista. El progreso se registró tan solo a mediados de los años 1950. Los ciudadanos soviéticos pudieron ver los trabajos del autor de la “paloma de la paz” y…sufrieron un “shock cultural”. El público profano en abstraccionismo y surrealismo, en su mayoría, rechazó a Picasso. Pero, incluso en las referencias negativas de aquel tiempo se siente que el pintor “tocó en lo vivo”, emocionó e impactó a muchos. Con este complejo proceso de percepción de Picasso tiene que ver directamente el Museo Nacional de Bellas Artes, recuerda su directora Irina Antonova.

Por primera vez mostramos una exposición en 1956. Era un tiempo bastante difícil y no era fácil organizar una exposición de Picasso. Tanto menos en un país que con tres años de antelación “se había hecho célebre” por el denominado “pogromo del Manege”: fue disuelta una muestra de pintura moderna en la que se exhibían trabajos inocentes, a mi parecer, dice Irina Antonova. – Luego organizamos exposiciones en 1961, 1971 y 1981, o sea en aniversarios del pintor. Nuestro museo cuenta con toda una historia de exposiciones de Picasso.

Hace medio siglo, en la primera exposición montada en el museo de Moscú, se exhibió el cuadro “El gato”. A algunos pareció no solo siniestro, sino que una sombría imagen que simbolizaba al tirano Stalin. Es poco probable que este cuadro incluido en la presente exposición despierte tales asociaciones. El tiempo ha cambiado y la actual generación, sin duda, cuenta con otra preparación ideológica y estética, estima el responsable de la exposición Vitali Mishin. Sin embargo, no excluye discusiones entre espectadores.

Es difícil incluso comparar la situación social de 1956 y de 2010, dice Mishin, pero esto no quiere decir que todos los visitantes acepten sin vacilación a Picasso. Este pintor siempre tendrá partidarios y adversarios.

Por lo demás, es poco probable que 30 dibujos y 20 fotografías que narran la cooperación de Picasso con las famosas “Temporadas rusas en París” no gusten a alguien. A los rusos siempre les agradaba el que una persona tan insigne estaba casada con una bailarina rusa, Olga Jojlova, era amigo del empresario Sertguey Diáguilev, del compositor Igor Stravinski y los retrató en sus lienzos.

Tan amplia muestra de obras de Picasso se hizo posible, antes que nada, gracias al Años mutuos de Rusia en Francia y viceversa. Entretanto, el 2 de marzo en París se estrenará la exposición no menos impresionante “Rusia Sagrada” que representa a las artes plásticas de Rusia desde el siglo X al XVIII. Las muestras de Moscú y de París son como dos pilares de toda la “construcción” del Año.

Videos relacionados:

RTVE

Mas fotos de la exposición.- http://www.sp.rian.ru/photolent

Exposición de Caravaggio

Establos del Quirinal
Via XXIV Maggio 16, Roma,

Caravaggio
20 de febrero 2010 – 13 de junio 2010

Horarios: De domingo a jueves de 10,00 a 20,00
Viernes y sábado 10,00 a 22,30
La entrada estará abierta hasta una hora antes del cierre

Cuando se cumplen 400 años de su muerte

Desde el domingo 20 de febrero al 13 de junio
Michelangelo Merisi (1571-1610), “Caravaggio”

Mientras se buscan los restos de Caravaggio en una fosa común en el cementerio anexo a la iglesia de Porto Ercole, Argentario (Italia) bajo la dirección del antropólogo Giorgio Gruppioni, el palacio del Quirinal (Roma) acoge una exposición dedicada a Caravaggio, genio y maestro de la pintura.

En los antiguos establos del Palacio Quirinal de Roma donde se le rinde homenaje en su 400 aniversario de la muerte del artista, se muestran 24 obras del polémico maestro lombardo quien a lo largo de los años ha provocado innumerables debates sobre la autoría de obras que iban apareciendo y cuya catalogación no ha dejado indiferentes a historiadores, restauradores y expertos del mundo del arte. Quienes basándose en documentos escritos han protagonizado algunas afortunadas y otras desafortunadas autorías. Esta exposición ofrece una nueva luz sobre este tema tan controvertido y muestra las diferentes etapas del proceso evolutivo de creación del artista, su forma singular de trabajo y su pureza a la hora de expresar de su pintura.

Ahora y tras 400 años de su muerte Italia quiere rendir homenaje al artista con un amplio programa de actividades, entre l0s que se enmarca esta exposición compuesta por obras tan emblemáticas como la Cesta de frutas (Fiscella) de la Biblioteca Ambrosiana de Milán, Baco de los Uffizi en Florencia, David con la cabeza de Goliat la Galería Borghese en Roma; Los músicos, del Metropolitan Museum of Art de Nueva York; Laudista el Museo del Hermitage en San Petersburgo; l ‘Amor vincit omnia por el Museo Staatliche de Berlín; las dos versiones de la Cena en Emaús, de la National Gallery de Londres y de la Pinacoteca de Brera, o Cupido, Amor vencedor, de la Gemaldegalerie de Berlín y otras obras maestras de los museos más importantes de Italia y del mundo. Un homenaje a la singularidad de la obra de Caravaggio.

Estos días la ciudad de Roma celebrará el año de Caravaggio como nunca lo había hecho, acogiendo esta exposición antológica al tiempo que las diversas iglesias de la capital italiana (San Luis de los Franceses, Santa María del Popolo y San Agustín) ofrecen la posibilidad de completar la visión del artista ya que en ellas se muestran obras del genio. Prácticamente el noventa por ciento de la producción reconocida de Caravaggio se encuentra en Roma.

Entrada € 10,00
Reducido € 7,50
Grupos con reserva:
Grupos de € 7,50 y € 4,00 para estudiantes de la escuela de lunes a viernes
Grupos de € 10,00 sábados, domingos y festivos

En autobús
16-170-36-360-37-38-40-60-61-62-64-70-H

En Metro
De metro (parada P.za la República) B del metro (parada Cavour)

Desde la estación Termini
Piazza dei Cinquecento ir a la estación de Termini (MA-MB-FS) Tome la línea 40 (P.za Pia / Castel S. Angelo) por 2 paradas y bajar en la Nazionale / Quirinale camine unos 100 metros de las caballerizas del Quirinal

Desde Fiumicino
Tome la línea de Leonardo (Termini) (salida cada 30 min.) Bájese en la estación Termini Ir a la parada TERMINI (MA-MB-FS) tomar la línea 40 (P. ZA PIA / Castel S. Angelo) por 2 paradas y bajar en la Nazionale / Quirinale. Un paseo de 100 metros a los establos del Quirinal

Imagen: Aravaggio, Ragazzo con canestra di frutta. Roma, Galleria Borghes. Ministerio per i Beni e le Attività Culturali

Fuente:http://www.revistadearte.com/

domingo, 31 de enero de 2010

Exposición "Paisajes", de Javier Buzón

Exposición “Paisajes”, de Javier Buzón.-

Fecha inicio: 29/01/2010
Fecha fin: 28/02/2010

Lugar: Casa de la Provincia, Sevilla

Pza. del Triunfo s/n

Horario: Martes a Domingo de 10:00 a 14:00 horas y de 18:00 a 21:00 horas. Lunes cerrado

Programa:
Exposición titulada JAVIER BUZÓN: PAISAJES, con la que se pretende ofrecer, mediante una amplia selección, las obras más señaladas que este artista ha dedicado al tema paisajístico.

Javier Buzón reúne en la Casa de la Provincia sus mejores trabajos de las tres últimas décadas en 'Paisajes', un canto a la pintura y el silencio

Desde unos comienzos influidos por Edward Hopper, Morandi, el cubismo sintético o el surrealismo de Magritte, hasta llegar a la depuración actual -con su particular síntesis de la abstracción-, la obra de Javier Buzón ha asimilado todo un discurso del arte contemporáneo que niega por completo la idea de la pintura como un medio retrógrado o inmovilista. Miembro con Ricardo Cadenas, Patricio Cabrera y Curro González de esa cantera que halló en el magisterio de Miguel Pérez Aguilera y de su entonces asistente en la Facultad de Bellas Artes, Carmen Laffón, la clave de un compromiso decidido con la pintura y el dibujo, Buzón ha tenido durante años mejor acogida entre los coleccionistas que entre la crítica nacional. Esta deuda se salva ahora con la muestra antológica que el jueves inauguró en la Casa de la Provincia rodeado de galeristas, amigos y numerosos compañeros de oficio entre los que se contaban también Antonio Sosa, Ignacio Tovar y Manolo Cuervo.

La muestra, titulada Paisajes, descubre una obra donde la visión cosmopolita alterna con el enraizamiento a los espacios del sur, ya se trate de serenas campiñas o de trepidantes avenidas. El montaje, por el que su artífice Isidoro Guzmán ha recibido numerosos elogios, no respeta la ordenación cronológica estricta para acentuar los distintos temas que Buzón ha abordado. Son series como Villanueva o Árboles que abren al visitante la puerta a otras realidades.

"En mis trabajos de finales de los años 90 domina la noche. Por lo artificial de la luz, Isidoro ha reunido estas obras en un recinto más apartado", explica el artista de unos lienzos donde superpone planos muy sintéticos de colores puros. "Practico un juego entre figuración y abstracción que refuerza el carácter onírico de estos paisajes urbanos", subraya Buzón, que sigue ejerciendo la docencia y trabaja en su estudio del barrio del Porvenir "desde la serenidad, sin imponerme metas rígidas, atento al ritmo propio que me sugiere cada conjunto".

En Nocturnos, las calles de Sevilla están pintadas "con espíritu americano" y no se distinguen de las avenidas de Cádiz, Huelva y Los Ángeles (Estados Unidos) que también inmortaliza. En esta serie, se ha servido de fotografías quemadas y plantillas "para realizar unas indagaciones formales que reivindican el dibujo y la pintura como entes autónomos", detalla Buzón. También le han inspirado los poemas de Miguel Florián, un escritor que ha dedicado a sus composiciones pictóricas todo un poemario. "Cuando aún no nos conocíamos, Miguel me regaló un poema que le había suscitado la contemplación de uno de mis cuadros. Ahora soy yo quien he encontrado la inspiración en sus versos", señala.

La trama vegetal es uno de los motivos de las obras agrupadas en Villanueva, donde descubre "el paisaje que veo desde la tapia de la finca de mi suegra en Villanueva del Ariscal". Son óleos sobre lienzo y pasteles sobre papel donde Buzón convierte el muro, la viga o la ventana en elementos compositivos.

En los cuadros que integran la serie Árboles, más esquemática y conceptual, el misterio se adueña de la mirada. Como sugiere el escritor aragonés José María Conget en su estudio De la soledad cómplice a la libertad: la pintura de Javier Buzón, recogido en el catálogo de la muestra, es "como si lo que el artista se afana en representar no son sólo las ramas desnudas del árbol otoñal arañando un cielo nublado sino además la huidiza respuesta de su sensibilidad a ese árbol y ese cielo". Conget cree que las pinturas de Buzón nacen de la atención a las cosas y del silencio, "pero también de la textura de sueño que subyace en toda existencia".

Buzón suscribe estos aspectos antes de precisar que en esta exposición sólo hay una visión descriptiva y anecdótica: el cuadro Rivera, una vista de Alcalá de Guadaíra desde los pinares de Oromana. Lo dice antes de llamar la atención sobre cómo contrasta el movimiento del cielo con el estatismo de la vega de Sevilla en su serie Espacios. O de admirar la belleza de las proporciones del Museo Gulbenkian de Lisboa, que le inspiró un diálogo entre interior y exterior que tiene su correlato en una exquisita vista del londinense Hyde Park, óleo procedente de una colección particular.

La exposición concluye con una conjunto inédito: ocho lienzos de 2009 donde el azul del cielo lucha por adentrarse en el bosque. O donde ramas y hojas intentan, como nos dicen los versos de Florián, "atravesar la sombra hasta encontrar la luz".

(Fuente. Diariodesevilla.es)

miércoles, 20 de enero de 2010

The real Van Gogh. The artist and his letters

THE REAL VAN GOOH,

THE ARTIST AND HIS LETTERS

La Royal Academy de Londres ha presentado una nueva exposición que profundiza en el mundo interior del maestro posimpresionista Vincent Van Gogh con la exhibición de no sólo sus pinturas y dibujos, sino que también de gran parte de su cartas.

The Real Van Gogh: The Artist and his Letters, como se titula este nuevo proyecto, es el resultado de una larga investigación que ha llevado a cabo durante 15 el Museo Van Gogh y el Instituto Huygens de la Academia Real de Arte y Ciencia de Holanda, analizando los años en los que Van Gogh escribió cientos de cartas, muchas de ellas dirigidas a su hermano Theo, que lo ayudaba económicamente.

35 de estas cartas originales, muy pocas veces mostradas al público por su fragilidad, se pueden contemplar en esta exposición, que estará abierta hasta el 18 de abril, acompañadas de 65 pinturas.

Van Gogh desde dentro

La correspondencia, en que el artista describe desde lo mundano, como un tipo de lápiz en particular, hasta una poética descripción de las aguas del Mediterráneo, ponen en duda el concepto de Van Gogh como un genio errático y torturado.

Con una biografía marcada por el corte que realizó a una de una de sus orejas, Van Gogh ingresó voluntariamente a un asilo mental y terminó su propia vida a los 37 años. El artista estaba centrado en su arte y preparado para trabajar en el perfeccionamiento de técnicas de perspectiva, color y en la forma humana. Las cartas que realizó revelan a un hombre aparentemente más preocupado por su oficio que de sus demonios personales y mentales.

Una carta incompleta que Van Gogh llevaba en el momento de su suicidio en 1890 también forma parte de la exhibición, con una nota de Theo escrita con lápiz diciendo "la carta que llevaba encima el 27 de julio, ese horrible día".

De esta forma, la exposición deja que sea el propio artista el que muestre al público con sus propias palabras cómo debe mirar a este genio y relacionar su obra con su correspondencia para que cada uno rehaga en su interior la imagen que, como artista o persona, tiene de Van Gogh.

Londres. The Real Van Gogh: The Artist and his Letters. Royal Academy of Arts.
Hasta el 18 de abril de 2010.

Video sobre la exposición pincha aqui:

"The real Van Gogh, The artist and his letters"

domingo, 17 de enero de 2010

Exposición "Impresionismo, un nuevo renacimiento"

Hasta el 22 de abril puedes visitar una gran exposición de impresionismo que la Fundación Mapfre ha organizado donde se mostrarán hasta 90 obras que habitualmente se exponen en el Museo de Orsay de París.
En tu visita a esta exposición extraordinaria de pintura impresionista, que se presenta con el título de Impresionismo, un nuevo renacimiento, vas a poder ver obras de los grandes maestros de este estilo artístico, como Monet, Renoir, Pissarro, Cezanne y Degas.
Por ejemplo, en esta exposición de Madrid podrás disfrutar de famosas obras como El Pífano de Manet, Las Barcas de Monet o El Columpio de Renoir.
La exposición impresionista la encontrarás en la Fundación Maphre, en el Paseo de Recoletos 23, entre Cibeles y la Plaza de Colón, hasta el 22 de abril.
La entrada a la exposición de impresionismo es gratuita, con un horario de martes a sábado, de 10 a 20 horas, los lunes, desde las 14 hasta las 20 horas, y los domingos y festivos, de 11 a 19 horas.
La Fundación Maphre ofrece la posibilidad de contratar un audioguía por 3 euros, servicio que está disponible en español y en inglés.
Puedes ver la exposicion en este video: web oficial de la Fundación Maphre

(

viernes, 18 de diciembre de 2009

Exposición de Paco Cuadrado

Exposición "Paco Cuadrado.

50 años con la pintura (1959-2009)"

Del 27 noviembre 2009 al 17 enero 2010

Casa de la Provincia

Plaza del Triunfo, 1.

Sevilla

Hablar con Paco Cuadrado es volver de momento a sentir la energía de los pintores de los setenta, aquellos que se comprometieron con la vida y la pintura a través de un movimiento llamado «realismo social» del que surgió la «Estampa Popular», y que en Sevilla reunió al propio Paco Cuadrado, Paco Cortijo y Cristóbal Aguilar.

«Girasoles secos» es la primera exposición menos figurativa de Cuadrado, «es como si hubiera abierto una ventana para indagar. Una vez me dijo Antonio López que me tenía que vestir de buzo y entrar en mi para llegar al fondo. Y eso he hecho». Los girasoles han perseguido siempre a Cuadrado sin saber porqué, aunque su memoria siempre recuerda los girasoles de Van Gogh.

Paco Cuadrado es un pintor de temas. De aquel realismo social dice que le queda «la ilusión por la vida, pero expresarme como cuando tenía veinte años, no. Aquel era el momento de cambios, lucha clandestina, emoción y vivir en el borde del peligro». Recuerda la dureza y la felicidad de aquellos años, «lo que no capte fue el sufrimiento de mis padres..., si lo llego a saber...».

Cárcel y cuadros

Lo metieron en la cárcel en el año 1963 por participar en la primera manifestación del 1 de mayo. Junto a él también detuvieron a Paco Cortijo y a Cristóbal Aguilar. «Era la primera vez que se hacía en Sevilla y fuimos 150 personas. Nos pusieron una multa de tres mil pesetas, un capital, y salió a cubrirla un señor que acaba de morir ahora que fue un gran coleccionista, Federico Jiménez Ontiveros». Luego pasó cuatro años en la cárcel por troskista, primero seis meses en la de Sevilla y el resto en varias cárceles de Barcelona, ciudad a la que se había exiliado. «Hacía grabados que la familia sacaba y vendía, lo que se ganaba iba para una bolsa de resistencia de los presos. Don Joaquín, jefe de servicio de la prisión de Sevilla, me compró un dibujo. Era un hombre que me respetaba y me dejaba pintar».

Para el artista ahora la pintura está muy difícil, «hay que saber pintar muy bien. Yo me comprometí con la pintura y sigo así», pero reconoce que todo se ha masificado y «la mediocridad funciona en todos los gremios. En mi curso en Bellas Artes éramos catorce. Ahora salen cada año cien. Todos pueden estudiar pero no hacen luego el recorrido hasta el final y lo que hay que disfrutar, como decía Machado, es el camino. Ahora la gente quiere llegar al final demasiado deprisa».

El movimiento de la Estampa Popular fue corto en el tiempo, «yo la continué en solitario por haber entrado en la cárcel y por el concepto de que llevé lo popular hasta las últimas consecuencias de militancia. Luché para que la pintura recorriera los barrios y fui por toda España visitando asociaciones de vecinos, pero no conseguí que ningún pintor joven de mi generación se uniera a mi». Cuadrado vive día a día, el momento. «Igual que el cuadro. Si no disfruto del cuadro, pincelada a pincelada, qué mas me da lo que ocurra después».
Dentro de dos meses este artista cumplirá setenta años, «me decían que como no soy moderno, no podía ser contemporáneo. Era una lucha continua y he tenido que quitar neblinas de mi lado para darme por fin cuenta de que soy contemporáneo». Pero hay gente que se ha quedado en el camino, como su amigo el desaparecido Paco Molina, «un transgresor como él le haría hoy día mucha falta a esta ciudad», dice.
Mari Paz, su mujer es quien más le ha apoyado siempre, «cuando las galerías no apostaban por mí porque después del realismo social parecía que no tenía nada que contar, ella sí lo hizo. En 1994 en la galería Ventana Abierta, hoy Birimbao, todo cambió».
La próxima retrospectiva en la Casa de la Provincia será el resultado de cinco décadas de su trabajo, «yo soy pintor por una actitud en la vida. Sólo me recuerdo dibujando».

ABC Jueves, 28-05-09
MARTA CARRASCO

Obras en la exposición:

jueves, 10 de diciembre de 2009

Jesús Barroso Gil

La obra pictórica de Jesús Barroso, cultiva mayoritariamente el paisaje, que lo concreta, muy especialmente, en nuestra singular bahía, aunque no desdeña otros parajes peninsulares.

Enamorado de crepúsculos y despuntes del alba, hay por ello un punto bucólico en su obra que la hace poética y ensoñadora.

Con el empleo del pincel o la espátula, incluso a veces en un mismo lienzo, sus tonalidades son suaves pero a la par luminosas. Un contraste que acaricia la vista y el espíritu.

Sus óleos, de notables perspectivas, dejan a veces a la imaginación con la utilización de la técnica “A la primera”.

Barroso logra con su obra la auténtica belleza de la Naturaleza, empleando un realismo de gran pureza y autenticidad.

Cautivado por el color, al prodigarlo produce efectos extremos; unas veces totalmente sosegados y otras de una fuerza arrolladora.

Rafael Ocaña

CURRÍCULO

Premios

Primera Mención de Honor en el XVIII Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en La Línea.

Segundo Premio en XIX Encuentro de Artistas Plásticos del Campo de Gibraltar en La Línea, Junio de 2007.

Mención en la Exposición Colectiva de la APANE en Estepona, Agosto 2009.

Exposiciones Colectivas

1997 VIII Exposición de Pintura y Escultura en Los Barrios

1998 X Encuentro de Artistas Plásticos del Campo de Gibraltar en La Línea.

1998 IX Exposición de Pintura y Escultura en Los Barrios.

1999 XI Encuentro de Artistas Plásticos del Campo de Gibraltar en La Línea.

1999 XI Exposición de Pintura y Escultura en Los Barrios.

2000 XII Encuentro de Artistas Plásticos del Campo de Gibraltar en La Línea.

2000 XI Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en Los Barrios.

2001 XIII Encuentro de Artistas Plásticos del Campo de Gibraltar en La Línea.

2001 XII Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en Los Barrios.

2002 XIV Encuentro de Artistas Plásticos del Campo de Gibraltar en La Línea.

2002 XIII Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en Los Barrios.

2003 I Encuentro de Dos Artes en el Conservatorio Profesional de Música “Muñoz Molleda” de La Línea (Mayo-Junio)

2003 XIV Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en Los Barrios.

2004 II Encuentro de Dos Artes en el Conservatorio Profesional de Música “Muñoz Molleda” de La Línea.

2004 XV Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en Los Barrios.

2004 XVI Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en La Línea.

2005 XVI Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en Los Barrios.

2006 XVIII Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en La Línea.

2007 XIX Encuentro de Pintores y Escultores del Campo de Gibraltar en La ´Línea.

2009 Exposición de Pintores Andaluces, Aragoneses y Gibraltareños en Estepona.

Exposiciones Individuales

2002 Sala de Exposiciones de la Caja de Ahorros de San Fernando en La Línea.

2003 Casa de la Cultura “Isidro Gómez” de Los Barrios.

2008 Galería Municipal de Arte Luis Ortega Brú de San Roque

Cinco obras seleccionadas y adquiridas por el Iltmo. Ayuntamiento de la Villa de Los Barrios en los Encuentros de los años 1997, 1998, 1999, 2002 y 2003.

Última exposición: Sala CajaSur Algeciras

del 6 al 19 de noviembre de 2009, Obras expuestas:

Desde el pasado 30 de septiembre, quince de sus obras al óleo que reflejan distintos motivos marinos de la bahía de Algeciras pueden verse en La Línea, en concreto en las oficinas de Mapfre de la calle Gibraltar. Estos trabajos, que ya han pasado por San Roque, Los Barrios y Algeciras, estarán en el municipio linense hasta el próximo día 16. Jesús posee otras muchas obras con motivos urbanos y bucólicos.

Jesús, que tuvo el placer de conocer al ilustre pintor linense José Cruz Herrera, pertenece a una saga de pintores. En su caso, se define como autor "hiperrealista pero que apunta al impresionismo".

Jesús siente un gran apego por el mundo de la cultura. Prueba de ello es que es uno de los miembros más veteranos de la directiva de la Sociedad Musical Félix Enríquez de La Línea, una de las razones por las que sigue teniendo una gran vinculación con esta ciudad a pesar de vivir ahora en Algeciras.

(fuente: http://www.europasur.es/article/algeciras/1083390/mi/pintura/es/hiperrealista/con/tintes/impresionistas.html)

Vídeo Óleos de Jesús Barroso

martes, 3 de noviembre de 2009

Juan Valdés "18 años de ausencia"

Juan Valdés,

“dieciocho años de ausencia”

Casa de la Provincia

Plaza del Triunfo, 1. Sevilla. Hasta el 15 de noviembre.

De martes a domingo, de 10:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00

“Dieciocho años de ausencia” nombre que alude al tiempo que el artista lleva sin exponer en Sevilla.

No se trata de una exposición para vender, porque todos los cuadros son propiedad de alguien que los compró en su momento en el transcurso de estos últimos 18 años, y ahora los cede para la ocasión; por lo tanto todo es novedoso en cuanto a su conocimiento público. Serán alrededor de 40 obras, entre ellas algunos dibujos como por ejemplo retratos de los Reyes, y una gran mayoría de óleos, también con algunos retratos, paisajes y composiciones de bodegones, aunque el argumento mayoritario es Venecia. Y quienes vayan a verla, podrán comprobar la diferencia que hay con lo que yo hacía antes, pues actualmente he ganado mucho en colorido y luminosidad.

( fuente: jlmontoya@abc.es)